El punk surgió en Londres y Nueva York entre 1976 y 1978 como una explosión de malestar y descontento ante una situación sin futuro que prendió y se extendió geográficamente a gran velocidad.  Hasta el 25 de septiembre podemos ver en el MACBA ver la exposición “Punk. Sus rastros en el arte contemporáneo”, una exposición que recorre la influencia del punk en el arte actual y se hace eco de la importancia de su presencia como actitud y referente entre muchos creadores. Y qué mejor manera de desmantelar cualquier residuo revolucionario, radical o insurgente que quedase del punk que organizar una exposición sobre él? ¿Hay manera de ser más traidor al potencial perturbador del punk que intentar categorizarlo y desmenuzarlo en apartados, esquemas y referencias? ¿Cómo asegurar mayor discrepancia entre exegetas, hagiográficos, cronistas, testigos o amantes del punk que elaborar una lista de lugares en los que está presente? ¿Es museizarlo una manera de descuartizarlo y certificar que está muerto, o bien de serle más fiel? El punk ejemplifica una actitud hecha de rabia, inconformismo e incorrección, pero también de contradicción e incertidumbre. Esa diversidad conforma el hilo conductor del seminario que organizó el Macba la semana pasada: de las preguntas que llevaron a Greil Marcus, tras asistir al último concierto de los Sex Pistols, a relatar su experiencia en Rastros de carmín, a las reflexiones de Marina Garcés sobre el clasicismo punkie, al que seguimos enganchados con amor y odio. También de la actitud anti que va más allá de la pose a través de Bob Nickas guiado por The Fall; las preguntas de Eloy Fernández Porta sobre estas artes del traslado y los procedimientos de valorización cultural a través de dinámicas de inclusión y exclusión; y, como cierre, Kendell Geers con su cuña de PostPunkPaganPop y las trampas que en ella se esconden.

La estadounidense Andrea Fraser, una mujer transgresora considerada una de las artistas más influyentes de su generación, inauguró el pasado jueves en el MACBA la exposición L’1%, c’est moi, primera exhibición de sus obras en España. Fraser, a través de sus trabajos, se pregunta: ¿Qué le pedimos realmente al arte?

Los comisarios Cuauhtémoc Medina y Hiuwai Chu han seleccionado para una de las exposiciones más destacadas de la temporada del Macba una treintena de obras clave de su trayectoria, que incluyen instalaciones, performances, documentación variada y vídeos, entre ellos Untitled, donde se la ve manteniendo una relación sexual con un coleccionista en lo que quiere ser «una metáfora del arte como prostitución».

Desde que empezara en Nueva York a finales de la década de los ochenta, Fraser ha estudiado las motivaciones que mueven a los numerosos agentes de este ámbito, desde los propios artistas, coleccionistas, galeristas, patrones o directores de museos, poniendo de manifiesto los conflictos internos existentes. Nacida en Montana en 1965, su nombre está asociado a la crítica institucional, lo que queda claro a lo largo de la muestra, coproducida con el Museo Universitario Arte Contemporáneo de la Ciudad de México, donde se presentará a partir de 2016.

En un recorrido con periodistas, la propia artista ha explicado sus motivaciones a la hora de enfrentarse a sus propuestas, influenciadas por el psicoanálisis y por las teorías del sociólogo Pierre Bourdieu, aunque también ha bebido de Lacan y Brecht. Sin seguir un orden cronológico, la exposición se ha organizado en seis apartados diferentes: Museos, Globalización, Es una exposición bonita, ¿verdad?, Fantasías descartadas, Lo personal y lo político y Coleccionado y archivado.

El pasado 8 de febrero, en la Fundación Tàpies de Barcelona, tuvo lugar la segunda conferencia del ciclo Flow Series, una iniciativa llevada a cabo en colaboración con la Fundación Han Nefkens.

Durante este ciclo de conferencias 8 artistas desarrollarán sus proyectos, bajo el paraguas de este programa que tiene como objetivo reunir a diferentes personas del mundo del arte procedentes de continentes y contextos muy distintos. En esta ocasión se trató de Ramin Haerizadeh (1975, Teheran), Rokni Haerizadeh (1978, Teheran) i Hesam Rahmanian (1980, Knoxville), tres artistas que viven y trabajan juntos en Dubai desde el 2009. Su primera exposición como colectivo fue “I Put it There You Name it” en la galería Isabelle van Eynde en el 2012, en la que recrearon la atmósfera de su casa en el espacio de la galería. Preparan un proyecto para el espacio público de la ciudad de Barcelona que podrá verse el próximo otoño.

El encuentro finalizó con algunas exquisiteces basadas en la comida tradicional iraní. Un acierto por parte de la Fundación Tàpies, ya que se creó un ambiente relajado y distendido que facilitó aún más el intercambio de impresiones entre los artistas y el público.

La participación de bailarines y músicos no profesionales de Salt y Girona convirtió la primera aparción del reputado coreógrafo Hofesh Shechter en Temporada Alta, en el Auidtori de Girona, en toda una experiencia. En el 2010 Shechter estrenó con su compañía la cruda fisicalidad de Political Mother, y ahora ha presentado por primera vez aquí este nuevo formato. Según la esencia de la obra el coreógrafo plantea nuevos discursos desde el arte. La Obra Social “la Caixa” (dentro de su programa Art per a la millora social, que tiene como objetivo utilizar el arte y la cultura como herramientas de transformación social), Temporada Alta y el Mercat de les Flors impulsan este nuevo trabajo intensivo de creación en el que la Hoefesh Shechter Company trabaja con bailarines y músicos locales no profesionales.

Toda una experiencia gratificante no solamente para los participantes, más de sesenta bailarines no profesionales procedentes de distintas entidades y colectivos sociales que van desde jóvenes interesados por la danza a representantes de la tercera edad, sino también para todos los que disfrutamos del espectáculo y un placer como intérprete también poder contribuir.

He tenido la suerte de compartir a lo largo de la semana pasada muchos momentos con Kristine Kouri y Rasha Salti, Comisarias de la Exposición “Pasado Inquieto”, Exposición internacional de arte en solidaridad con Palestina. A partir de las entrevistas a prensa, su participación en el Programa de Estudios Independientes y la visita guiada a la exposición he podido adentrarme un poco más en la maravillosa historia de este proyecto de investigación llevado a cabo con tanto cariño por sus autoras.

La Exposición internacional de arte en solidaridad con Palestina se inauguró en Beirut (Líbano) en marzo de 1978 con la voluntad de constituir la semilla de la colección de un museo en el exilio, y adoptó la forma de una exposición itinerante con la misión de recorrer el mundo hasta poder ser “repatriado” a Palestina. Trágicamente el edificio donde se conservaban las obras y los archivos y registros documentales de la exposición fue bombardeado por parte del ejército israelí en 1982.

El mérito de Kristine y Rasha radica en haber sido capaces de reconstruir la narrativa y los rastros de esta exposición a partir de una edición del catálogo, en el que aparecía una lista de los artistas participantes y de las personas e instituciones que lo hicieron posible. Algo así como tirar del hilo a partir de un hallazgo y ser capaces de entrelazar historias olvidadas y cartografías perdidas a partir de testimonios y archivos privados.

En el año 2010 el coleccionista francés Philippe Méaille depositó en el MACBA su colección privada de más de 500 obras de Art & Language: pinturas, dibujos, esculturas, instalaciones, documentos, escritos, mecanoscritos, anotaciones, microfilms, maquetas i publicaciones que nos obligan a reconsiderar el papel de la escritura en la práctica del arte.
Tras cuatro años de estudio, documentación y restauración, con el compromiso renovado de la Fundación AXA, el Museo presenta la exposición Art & Language incompleto, Colección Philippe Méaille, que reúne una excepcional selección de obras de este colectivo, muchas de los cuales se exponen por primera vez.
El carácter conversacional, discursivo y ensayista que caracteriza la producción de Art & Language, ininterrumpida hasta nuestros días, se mantiene hoy con la participación de Michael Baldwin y Mel Ramsden y ha sido un placer reencontrarme con ellos 4 años después!

Inauguración: Hoy, 18 de septiembre a les 20h
Del 19 de septiembre 2014 al 12 d’abril 2015

Iniciamos temporada, después de un largo período de descanso estival, con el IV Congreso Internacional de Historia y Cine: Memoria histórica y cine documental, organizado por la Facultad de Geografía e Historia de Barcelona y por el Centre d’Investigacions Film-Història.

Si bien es  cierto que el pasado está vinculado a una facultad individual que puede alterarse e incluso desaparecer al mismo tiempo que lo hacen sus protagonistas, no es menos cierto que el registro fílmico puede tener una vida eterna, porque las películas, sean estas documentales  o de ficción, avivan y recuperan la memoria para constituir un poderosos relato que configura a su vez nuestra visión del pasado.

Es en esos caminos e intersecciones, por los que transitan las diferentes imágenes, voces y textos que podemos entender la historia que nos precede.

Interesantísima, entre otras, la ponencia del Sr. Magí Crusells, “Franco, protagonista del NO-DO?” y anticipamos ya un excelente resumen del congreso con la Conferencia de clausura “Història, Testimoni, Relat i Implicació: la problemática en la representació de la memoria col.lecitva”, a cargo de Maria Dolors Genovès.

Para saber más: http://www.ub.edu/congresocine/

El fotògraf de l’agència Magnum, Abbas Attar (Iran, 1944), va ser convidat a les sessions obertes del programa Objectiu BCN, al Museu del Disseny, on va oferir una classe magistral amb el títol “Conflictes”.

Abbas és un fotògraf iranià que viu a París, i que s’ha dedicat plenament a documentar la vida política i social de societats en conflicte. Desde 1970 ha cobert guerres i revolucions a Biafra, Bangla Desh, Irlanda del Nord, Vietnam, l’Orient Mitjà, Xile, Cuba i Sud-Àfrica durant l’apartheid.

Abbas remarca constantement la diferència que hi ha entre un fotògraf de batalles i un fotògraf de guerres. Segons ell les guerres no es limiten només a les batalles, sinó que són un fenòmen molt més complex amb dimensions polítiques, socials, culturals i psicològiques fascinants d’observar.

Després de la conferència Abbas, malgrat el cansament, malgrat l’esforç i malgrat l’hora va anar amb tots nosaltres, col.laboradors, periodistas, organitzadors a sopar a prop del Museu del Disseny, on va mostrar un rostre encara més humà, si és que era possible.

Un home realment apassionat i compromés amb la seva feina.

Joan Colom es uno de los fotógrafos más importantes de la segunda mitad del siglo XX, pionero del fotoperiodismo en nuestro país.

Del 12 de diciembre de 2013 al 25 de mayo de 2014, podéis ver en el Museo Nacional de Arte de Cataluña, la primera gran antología dedicada a este fotógrafo, resultado de un laborioso trabajo de investigación y catalogación de su extenso archivo que él mismo donó al museo.

Ayer además tuve la suerte de participar como intérprete en el Seminario sobre Joan Colom y su contexto, brillantemente moderado por Jorge Ribalta y con la participación de conferenciantes excepcionales como Sarah James, Antonella Russo, Joan Miquel Gual, Dolores Juliano y Beatriz Preciado.

Felicidades al comisario de la exposición, Jorge Ribalta, por su sensibilidad y por el excelente enfoque del Seminario.