Intérprete de conferencia durante la Jornada sobre patrimonio cultural y mecenazgo

En junio de 2018, el Museo Thyssen de Madrid puso en marcha una empresa arriesgada: restaurar La plaza de San Marcos en Venecia, una de las obras de Canaletto que posee, mediante una campaña de crowdfunding o financiación participativa, a fin de hacer frente a los 35.000.-€ que costaban los trabajos. Tras dividir el enorme cuadro en 1.000 fragmentos, pidió en su web que apadrinara la restauración de cada uno de esos cuadrados al módico precio de 35.-€. Pepa Octavio, responsable de Patrocinio y Mecenazgo del museo, explicó el desarrollo de la campaña durante la Jornada sobre patrimonio cultural y mecenazgo, celebrada en el MACBA con la intervención de expertos en mecenazgo de varios países europeos: “pensábamos que las redes nos machacarían con freses como que lo pague Tita”. Sin embargo la operación fue un éxito y se saldó con un superávit de casi 20.000.-€. Y ya estamos pensando en una segunda campaña de participación colectiva.

Los 601 donantes que compraron en apenas cuatro meses un pedacito de obra barroca se acogieron a las desgravaciones fiscales que contempla la Ley de Mecenazgo de 2002 que, desde su reforma de 2014, establece unos beneficios del 75% en la cuota integra del IRPF para todo aquel que ejerciera una acción de micromecenazgo con donaciones inferiores a 150 euros.

Durante la jornada se abordaron ejemplos de esta colaboración pública-privada como la de la Fundación Macba, que en 30 años de actividad ha adquirido casi 6.000 obras para el museo; la Fundación Barrié, que ha aportado 11 millones para restaurar la catedral de Santiago, seis para intervenir en el Pórtico de la Gloria; o los proyectos para difundir la danza española a partir de un libro o un videojuego llevados a cabo por el Ballet Nacional de España. También sirvió el encuentro para conocer cómo tras la nueva ley de mecenazgo en Francia se ha pasado de 2.000 empresas que lo ejercían a 68.000.

La jornada dejó claro que El mecenazgo no es un tema de élite. Todo el mundo puede participar y ayudar a intervenir en el patrimonio que tiene cerca y le importa. Todos podemos ser mecenas, con independencia de la capacidad adquisitiva de cada uno.

 

Intérprete de conferencia durante la conversación entre Melanie Smith y Tanya Barson

Melanie Smith nació en el Reino Unido en 1965, pero ha desarrollado su carrera en la escena artística mexicana desde los años noventa. En 1989 dejó atrás las tensiones político-económicas del Reino Unido de Thatcher para instalarse en México, donde ha sido testigo del impacto de la modernización capitalista, la globalización neoliberal y el hiperconsumismo, el desarrollo de una economía informal paralela a las formas tradicionales de manufactura, y los continuos fracasos o colapso de la modernidad.

Ambos contextos –el mexicano o, en sentido más amplio, latinoamericano, y el británico o, más extensamente, la cultura anglosajona o eurocéntrica– son esenciales en su obra. Aunque Smith no se define como pintora y trabaja con una gran variedad de medios, todos ellos están impregnados de una singular y persistente referencia a la pintura.

Su exposición toma su título de una de las primeras obras de Smith, una instalación que incorpora múltiples pinturas colocadas una frente a otra. En su trabajo Smith despliega un juego continuo entre farsa (en el sentido de absurdo, burla o parodia) y artificio (entendido como artificialidad y engaño y, en última instancia, como el «artificio de la razón») y aplica estos conceptos a la sociedad contemporánea y lo que se ha denominado «modernidad barroca». Esta exposición recorre la obra de Smith desde principios de los noventa hasta hoy. Más que seguir una disposición cronológica, se organiza según una serie de temas o motivos aparentemente simples que son recurrentes en su producción: Abstracción, Urbano, Color, Cuerpo, Arqueología, Naturaleza y Escala. Esta disposición permite yuxtaponer obras producidas en distintos momentos de la carrera de la artista, evidenciando las continuidades entre ellas y al mismo tiempo abrazando tensiones, conflictos, irracionalidad y caos. La propia artista ha definido su corpus como un «palimpsesto gigante».

 

Intérprete de conferencia durante la presentación del acuerdo de colaboración entre el Macba y Uniqlo

La marca de ropa japonesa Uniqlo, una de los grandes de la confección mundial con tiendas en medio planeta, ha plantado una pica en el mundo cultural barcelonés con el acuerdo presentado esta mañana en el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona gracias al cual el Macba abrirá sus puertas los sábados por la tarde gratuitamente.

El acuerdo de un año, prorrogable, permitirá el acceso de manera gratuïta entre las 16h y las 20h los sábados para visitar la colección permanente y todas las exposiciones temporales, además de participar en todas las actividades programades. Esta iniciativa se enmarca dentro de la filosofía expresada en septiembre por el fundador del grupo, Tadashi Yanai, de que “para todas las empresas importantes, el punto de partida tiene que ser Barcelona”.

La iniciativa sigue la estela de los acuerdos firmados por la empresa con entidades culturales como el MoMA de Nueva York (tres noches al mes) o la Tate Modern de Londres (todos los viernes por la tarde) y entra de lleno en el debate sobre cómo se han de financiar los equipamientos culturales públicos y qué papel han de tener las entidades privadas y las empresas. En el caso del Macba el acuerdo afecta a las alrededor de 30.000 personas de media que visitan a esas horas el centro cada año, explicó Josep Maria Carreté, gerente del museo, que trabaja con la perspectiva “no tanto de que el público que visita el centro a lo largo de la semana pase a hacerlo el sábado, sino de ganar nuevos asistentes, hasta los 45.000, que decidan visitarnos ese día”. Según Carreté, el acuerdo beneficiará no tanto a los turistas y visitantes de la ciudad (que este viernes eran los únicos que esperaban a las 11 horas pacientemente la apertura de las puertas del museo para entrar), sino a los propios barceloneses.

La firma del acuerdo entre el Macba y Uniqlo va más allá. El último sábado de cada mes habrá una programación especial que acompañará a los visitantes durante la visita. Como la danza performance del bailarín Carmelo Salazar alrededor de la exposición de Rosemarie Castoro este mismo sábado, el concierto de Luke Fowler el 28 de abril o la actuación del grupo Papa Topo el 26 de mayo, además de otras actividades como talleres familiares. Shu Hung explicó que en un futuro podrían incluir en su línea específica de camisetas UT, en la que incorporan diseños de artistas (como Keith Haring, mencionó), algunas creaciones de artistas locales o pertenecientes a la colección permanente del Macba.

 

Intérprete de conferencias durante Talking Galleries 2018

Talking Galleries es el Think Tank internacional para Galerías de Arte durante el cual profesionales del mundo del arte se encuentran durante dos días para debatir con más de 200 profesionales procedentes de 25 países del ámbito internacional en una plataforma de reflexión y análisis dirigida a galeristas de arte contemporáneo. Esta sexta edición, celebrada los días 22 y 23 de enero en el Auditorio del Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona, en la que he tenido el placer de participar como intérprete de conferencia, ha contado con la destacada presencia del galerista francés Daniel Templon, encargado de impartir la conferencia inaugural del simposio así como otros reconocidos galeristas como Ursula Krinzinger, David Juda, Alex Logsdail y Adam Sheffer. Además de la conferencia inaugural el simposio se ha articulado alrededor de siete mesas redondas con sus correspondientes debates:

  1. El futuro de las galerías de tamaño medio en el mercado del arte
  2. El delicado relevo generacional en la gestión de una galería
  3. Cómo gestionar el legado de los artistas del siglo XXI
  4. Galeristas y asesores de arte: cómo deberían colaborar
  5. Formas de colaboración entre las galerías
  6. Cambios en el mercado del arte online
  7. La implicación de nuevos públicos

Y a modo de conclusión un ameno resumen a cargo de Georgina Adam y Adam Sheffer, (miembros del consejo asesor de Talking Galleries) durante la sesión de clausura. ¡Hasta el año que viene!     g2Q2lLmf_Talking sept16_talking_img2

Intérprete de conferencia durante la primera exposición retrospectiva de Rosemarie Castoro en el Macba

El Macba dedica la primera gran retrospectiva a la artista neoyorquina Rosemarie Castoro, considerada como una gran  «minimalista desconocida», una retrospectiva organitzada por parte de la comisaria y conservadora jefa del museo, Tanya Barson.

La exposición Enfocar al infinito reúne 250 obras, algunas de elles inèdites y reivindica el papel «fundamental» de Castoro en el minimalismo, postminimalismo y arte conceptual en una escena artística en EE.UU. dominada por hombres.

La artista formó parte del círculo de la vanguardia neoyorkina de los años 60 y 70 junto a Donald Judd, Yvonne Rainer, Robert Morris, Sol LeWitt, Agnes Martin y Carl Andre –con quien estuvo casada durante unos años–.

El recorrido que muestra el Macba abarca el período comprendido entre 1964 y 1979, explorando sus «giros dramáticos» que incluyen el dibujo, la danza y la cinestesia musical como ejes fundamentales de su carrera, que mantuvo una continuidad, pese a los cambios estéticos que fue introduciendo.

Siguiendo una trama cronológica, la muestra empieza con sus pinturas de gran formato más coloristas –exhibidas en dos salas–, en una época en que puso mucho énfasis en los colores primarios sólidos y líneas en forma de ‘Y’ que mutan y se transforman como notas musicales encima de la tela.

En la siguiente gran sala, el peso de la parte gráfica es muy evidente, si bien hay un cambio cromático que da paso a unos colores más intermedios, menos contraste de color y mayor complejidad tonal en su pintura, que enfatiza con otra vuelta de tuerca en otro periodo reflejado en el espacio consecutivo.

Su «compromiso con la abstracción» y el minimalismo se hacía patente con las pinturas de la artista, que protagonizó una evolución muy cambiante en un poco lapso de tiempo.

Castoro exploro también la abstracción postminimalista, con instalaciones esculturales de resina epoxi en 1974-1975, y una serie de intervenciones efímeras en el paisaje usando ramas.

Esta exposición coincide con la línea discursiva planteada por Barson a su llegada al Macba desde la Tate Modern de Londres, cuando anunció que trabajaría para visibilizar nuevos relatos museísticos dando voz, de forma especial, a mujeres artistas que no han recibido la atención merecida.

En este sentido, la muestra quiere «corregir la poca atención recibida», ha subrayado la comisaria en la presentación de la muestra, acompañada por el director del Macba, Ferran Barenblit, que ha anunciado una conferencia-performance con Yvonne Rainer para el martes 19 de diciembre.

Una de las particularidades de la artista y bailarina es que pintaba mientras bailaba y trabajó siempre con una combinación de formas artísticas que la llevaron más adelante a la escultura, con componentes gráficos y sin ellos, y conectó con el land-art.

 

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Intérprete de conferencia durante la presentación del II Premio Han Nefkens-Macba

El II Premio Fundación Han Nefkens – MACBA de Arte Contemporáneo ha sido concedido al colectivo iraní formado por Ramin Haerizadeh (Teherán, 1975), Rokni Haerizadeh (Teherán, 1978) y Hesam Rahmanian (Knoxville, 1980), artistas establecidos en Dubái que colaboran desde el año 2009.

Para el proyecto del MACBA, los artistas contactaron con Joan Baixas, el conocido creador de teatro de títeres y director escénico catalán cuya obra admiraban. También invitaron a la artista Niyaz Azadikhah, que ha dirigido talleres de costura comunitarios para mujeres en Teherán; a John Cole, ingeniero robótico especializado en sensores; y a un grupo internacional de escritores entre los que se encuentran Mandana Mohit y Sohrab Mahdavi. The Maids muestra el resultado de estos intercambios, como el títere robotizado (diseñado por Baixas y Cole) que, respondiendo a la conducta de los visitantes, se abre y deja ver unos bordados en patchwork realizados por mujeres de Teherán y refugiadas afganas sobre el tema de los miedos cotidianos. El títere está situado frente a un mural donde se combina poesía, pintura y dibujo y que incluye Unfaithful Poems, una serie de reescrituras subjetivas de poesía contemporánea fruto de la colaboración entre escritores y traductores. La exposición también presenta tres piezas videográficas: To the Left to the Right and Around (2016), From Sea to Dawn (2016-2017), un vídeo animado y «pintura en movimiento» sobre el fenómeno de las migraciones; y el vídeo The Maids (2012-2015), realizado sobre un trabajo de performance y que, como la propia exposición, toma el título de la obra de Jean Genet de 1947. «Creamos un espacio para que otros artistas aporten sus propias aproximaciones», afirman los artistas. «Es importante que sea un proceso abierto, y que las ideas de las personas a quienes invitamos se conviertan en órganos del proceso».

 

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Intérprete de conferencia durante las Jornadas Visualidades Críticas

Graeme Thomson y Silvia Maglioni son artistas y cineastas con sede en París. Su pràctica artística interroga posibles formas y ficciones que emergen de las ruinas de la imagen en movimiento e incluye la creación de cortometrajes y largometrajes, exposiciones, obras sonoras, instalaciones, presentaciones cinematográficas, eventworks, programas de radio, tubos, tecnologías vernáculas y libros. Su producción artística (y resistencia a la producción) procede de Terminal Beach, zona de reflexión crítica en la que exploran posibles nuevas configuraciones de imagen, sonido y texto, utilizando el cine en forma ampliada para reactivar archivos e historias perdidas u olvidadas y crear nuevos modos colectivos de visión y compromiso con el pensamiento y la política contemporánea. Entre las obras de Thomson y Maglioni tenemos: «Statues» (2003), «Wolkengestalt» (2007), «Facs of Life» (2009), «Through the Letterbox» (2010), «Blind Data» (2013), «In Search of UIQ «(2013) y» Disappear One «(2015). Su trabajo ha sido presentado en numerosos festivales internacionales de cine, museos y espacios artísticos como FID-Marsella, Festival Internacional de Cine Bafici, Festival de Cine de Jihlava, Festival Hors Pistes, Il Vento del Cinema, Festival de Cine de Lucca, FIFVC-Beirut, Anthology Film Archivos, Nuevos Cineastas Nueva York, Festival de Cine de Diferentes Direcciones, European Media Art Festival, Museo de Cine Ojo, Tate Britain, Museo de Serralves, Centro Pompidou, REDCAT Los Ángeles, Museo de Ludwig, Showroom, Casco, KHOJ Nueva Delhi, Museo de Arte Moderno de Bahía, Castello di Rivoli, Instituto de Arte Moderno de Brisbane, Galería Whitechapel, Museo Van Abbe, CA2M, MACBA. En la actualidad son artistas residentes en Les Laboratoires d’Aubervilliers y trabajan en el  proyecto de infracciones comunes. También están trabajando en una nueva película, «Common Birds». Tuvimos ocasión de asistir a una de sus representaciones en el marco de las Jornadas sobre Visualidades Críticas, organizadas el 19 y 20 de septiembre por el Macba.   Silvia Maglioni IMG_20171002_101820 (3)

Intérprete de conferencia durante el curso de peluquería vanguardista de Revlon

Gracias a Revlon, la capital mundial de la peluquería, Londres, recibió a un numeroso grupo de representantes de varios salones que pudo disfrutar durante dos días de la vibrante energía de la ciudad, además de aprender de la técnica y la vanguardia de dos de los mejores peluqueros del momento. Por un lado, Anne Veck, una de las peluqueras de mayor proyección internacional. Con dos salones en Reino Unido, es Creative Ambassador de Revlon Professional y dedica buena parte de su tiempo a la formación técnica y creativa. Anne ha impartido una interactiva sesión de corte y color, con prácticas de corte, durante la cual nos ha desvelado también los secretos para una excelente sesión fotográfica. Por otro lado, Robert Masciave, creativo y apasionado, uno de los peluqueros más aclamados de su generación. Su estilo vanguardista le ha llevado a protagonizar editoriales y portadas en las más prestigiosas publicaciones del sector. En la actualidad, además de embajador de Revlon Professional, dirige su salón Metropolis, descrito por la revista “Vogue” como uno de los más estilosos de la ciudad. Dos jornadas de trabajo divertidas, diferentes, dinámicas, refrescantes y altamente motivadoras desde todas las perspectivas. ¡Felicidades Revlón!

Intérprete de conferencia durante la inauguración de Forensic Architecture

Estos días las salas del Macba muestran una exposición que consiste en una nueva práctica basada en la estética de la investigación. Forensic Architecture es una agencia de investigación basada en Londres formada por un grupo de artistas, abogados, activistas y teóricos. Para su inauguración ha contado con la presencia del juez Baltasar Garzón, que ha conversado con su colaborador Manuel Vergara, la ex corresponsal de TVE en Oriente Medio Yolanda Álvarez y Eyal Weizman, creador de la agencia. Arquitectura y forense son dos términos que al combinarlos en una misma expresión consiguen alterar su significado y anuncian una modalidad de práctica diferente. ¿En qué consiste el trabajo de Forensic Architecture? La Agencia se dedica a reunir archivos de pruebas sobre los conflictos contemporáneos y crear a partir de ellos nuevas metodologías de análisis como forma de intervención política en el terreno de los derechos humanos. Es decir, la arquitectura entendida como plástica política que toma los edificios como sensores que acumulan información en su deformación material. A través de maquetas, análisis de vídeos, nuevas tecnologías, cartografías interactivas y otros recursos reconstruyen los hechos de manera independiente o a petición de varias ONGs, como Amnistía Internacional. Una exposición sobre evidencia, activismo y ley a ratos incómoda en esta nueva era de la post-verdad.

Os dejo un link realizado por informativos.net, en el que entrevistan a Eyal Weizman, fundador de Forensic Architecture: «La arquitectura es política, tierra y dinero»

 

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Intérprete de conferencia durante la rueda de prensa de Akram Zaatari

Akram Zaatari, que expone estos días en el MACBA, es un miembro destacado de la generación de artistas que surgió en el Líbano en la década de 1990, tras finalizar la guerra civil que asoló el país durante más de quince años. Además es cofundador de la Arab Image Foundation, un proyecto impulsado en esos años de postguerrra por artistas y fotógrafos para construir dentro de unos relatos alternativos a la historia visual oficial escrita por extranjeros. Su práctica artística se centra en objetos fotográficos, “formaciones o emergencias fotográficas” en sus palabras. El reverso de una fotografía puede ser tan importante como el anverso, así como los signos que el paso del tiempo va dejando en el soporte. Para Zaatari, coleccionar fotos es una forma de deshacer y reescribir no menos importante que el acto de captar imágenes!

 

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