El Macba dedica la primera gran retrospectiva a la artista neoyorquina Rosemarie Castoro, considerada como una gran  «minimalista desconocida», una retrospectiva organitzada por parte de la comisaria y conservadora jefa del museo, Tanya Barson.

La exposición Enfocar al infinito reúne 250 obras, algunas de elles inèdites y reivindica el papel «fundamental» de Castoro en el minimalismo, postminimalismo y arte conceptual en una escena artística en EE.UU. dominada por hombres.

La artista formó parte del círculo de la vanguardia neoyorkina de los años 60 y 70 junto a Donald Judd, Yvonne Rainer, Robert Morris, Sol LeWitt, Agnes Martin y Carl Andre –con quien estuvo casada durante unos años–.

El recorrido que muestra el Macba abarca el período comprendido entre 1964 y 1979, explorando sus «giros dramáticos» que incluyen el dibujo, la danza y la cinestesia musical como ejes fundamentales de su carrera, que mantuvo una continuidad, pese a los cambios estéticos que fue introduciendo.

Siguiendo una trama cronológica, la muestra empieza con sus pinturas de gran formato más coloristas –exhibidas en dos salas–, en una época en que puso mucho énfasis en los colores primarios sólidos y líneas en forma de ‘Y’ que mutan y se transforman como notas musicales encima de la tela.

En la siguiente gran sala, el peso de la parte gráfica es muy evidente, si bien hay un cambio cromático que da paso a unos colores más intermedios, menos contraste de color y mayor complejidad tonal en su pintura, que enfatiza con otra vuelta de tuerca en otro periodo reflejado en el espacio consecutivo.

Su «compromiso con la abstracción» y el minimalismo se hacía patente con las pinturas de la artista, que protagonizó una evolución muy cambiante en un poco lapso de tiempo.

Castoro exploro también la abstracción postminimalista, con instalaciones esculturales de resina epoxi en 1974-1975, y una serie de intervenciones efímeras en el paisaje usando ramas.

Esta exposición coincide con la línea discursiva planteada por Barson a su llegada al Macba desde la Tate Modern de Londres, cuando anunció que trabajaría para visibilizar nuevos relatos museísticos dando voz, de forma especial, a mujeres artistas que no han recibido la atención merecida.

En este sentido, la muestra quiere «corregir la poca atención recibida», ha subrayado la comisaria en la presentación de la muestra, acompañada por el director del Macba, Ferran Barenblit, que ha anunciado una conferencia-performance con Yvonne Rainer para el martes 19 de diciembre.

Una de las particularidades de la artista y bailarina es que pintaba mientras bailaba y trabajó siempre con una combinación de formas artísticas que la llevaron más adelante a la escultura, con componentes gráficos y sin ellos, y conectó con el land-art.

El II Premio Fundación Han Nefkens – MACBA de Arte Contemporáneo ha sido concedido al colectivo iraní formado por Ramin Haerizadeh (Teherán, 1975), Rokni Haerizadeh (Teherán, 1978) y Hesam Rahmanian (Knoxville, 1980), artistas establecidos en Dubái que colaboran desde el año 2009.

Para el proyecto del MACBA, los artistas contactaron con Joan Baixas, el conocido creador de teatro de títeres y director escénico catalán cuya obra admiraban. También invitaron a la artista Niyaz Azadikhah, que ha dirigido talleres de costura comunitarios para mujeres en Teherán; a John Cole, ingeniero robótico especializado en sensores; y a un grupo internacional de escritores entre los que se encuentran Mandana Mohit y Sohrab Mahdavi. The Maids muestra el resultado de estos intercambios, como el títere robotizado (diseñado por Baixas y Cole) que, respondiendo a la conducta de los visitantes, se abre y deja ver unos bordados en patchwork realizados por mujeres de Teherán y refugiadas afganas sobre el tema de los miedos cotidianos. El títere está situado frente a un mural donde se combina poesía, pintura y dibujo y que incluye Unfaithful Poems, una serie de reescrituras subjetivas de poesía contemporánea fruto de la colaboración entre escritores y traductores. La exposición también presenta tres piezas videográficas: To the Left to the Right and Around (2016), From Sea to Dawn (2016-2017), un vídeo animado y «pintura en movimiento» sobre el fenómeno de las migraciones; y el vídeo The Maids (2012-2015), realizado sobre un trabajo de performance y que, como la propia exposición, toma el título de la obra de Jean Genet de 1947. «Creamos un espacio para que otros artistas aporten sus propias aproximaciones», afirman los artistas. «Es importante que sea un proceso abierto, y que las ideas de las personas a quienes invitamos se conviertan en órganos del proceso».

Graeme Thomson y Silvia Maglioni son artistas y cineastas con sede en París. Su pràctica artística interroga posibles formas y ficciones que emergen de las ruinas de la imagen en movimiento e incluye la creación de cortometrajes y largometrajes, exposiciones, obras sonoras, instalaciones, presentaciones cinematográficas, eventworks, programas de radio, tubos, tecnologías vernáculas y libros. Su producción artística (y resistencia a la producción) procede de Terminal Beach, zona de reflexión crítica en la que exploran posibles nuevas configuraciones de imagen, sonido y texto, utilizando el cine en forma ampliada para reactivar archivos e historias perdidas u olvidadas y crear nuevos modos colectivos de visión y compromiso con el pensamiento y la política contemporánea. Entre las obras de Thomson y Maglioni tenemos: «Statues» (2003), «Wolkengestalt» (2007), «Facs of Life» (2009), «Through the Letterbox» (2010), «Blind Data» (2013), «In Search of UIQ «(2013) y» Disappear One «(2015). Su trabajo ha sido presentado en numerosos festivales internacionales de cine, museos y espacios artísticos como FID-Marsella, Festival Internacional de Cine Bafici, Festival de Cine de Jihlava, Festival Hors Pistes, Il Vento del Cinema, Festival de Cine de Lucca, FIFVC-Beirut, Anthology Film Archivos, Nuevos Cineastas Nueva York, Festival de Cine de Diferentes Direcciones, European Media Art Festival, Museo de Cine Ojo, Tate Britain, Museo de Serralves, Centro Pompidou, REDCAT Los Ángeles, Museo de Ludwig, Showroom, Casco, KHOJ Nueva Delhi, Museo de Arte Moderno de Bahía, Castello di Rivoli, Instituto de Arte Moderno de Brisbane, Galería Whitechapel, Museo Van Abbe, CA2M, MACBA. En la actualidad son artistas residentes en Les Laboratoires d’Aubervilliers y trabajan en el  proyecto de infracciones comunes. También están trabajando en una nueva película, «Common Birds». Tuvimos ocasión de asistir a una de sus representaciones en el marco de las Jornadas sobre Visualidades Críticas, organizadas el 19 y 20 de septiembre por el Macba.  

Estos días las salas del Macba muestran una exposición que consiste en una nueva práctica basada en la estética de la investigación. Forensic Architecture es una agencia de investigación basada en Londres formada por un grupo de artistas, abogados, activistas y teóricos. Para su inauguración ha contado con la presencia del juez Baltasar Garzón, que ha conversado con su colaborador Manuel Vergara, la ex corresponsal de TVE en Oriente Medio Yolanda Álvarez y Eyal Weizman, creador de la agencia. Arquitectura y forense son dos términos que al combinarlos en una misma expresión consiguen alterar su significado y anuncian una modalidad de práctica diferente. ¿En qué consiste el trabajo de Forensic Architecture? La Agencia se dedica a reunir archivos de pruebas sobre los conflictos contemporáneos y crear a partir de ellos nuevas metodologías de análisis como forma de intervención política en el terreno de los derechos humanos. Es decir, la arquitectura entendida como plástica política que toma los edificios como sensores que acumulan información en su deformación material. A través de maquetas, análisis de vídeos, nuevas tecnologías, cartografías interactivas y otros recursos reconstruyen los hechos de manera independiente o a petición de varias ONGs, como Amnistía Internacional. Una exposición sobre evidencia, activismo y ley a ratos incómoda en esta nueva era de la post-verdad.

Os dejo un link realizado por informativos.net, en el que entrevistan a Eyal Weizman, fundador de Forensic Architecture: «La arquitectura es política, tierra y dinero»

Akram Zaatari, que expone estos días en el MACBA, es un miembro destacado de la generación de artistas que surgió en el Líbano en la década de 1990, tras finalizar la guerra civil que asoló el país durante más de quince años. Además es cofundador de la Arab Image Foundation, un proyecto impulsado en esos años de postguerrra por artistas y fotógrafos para construir dentro de unos relatos alternativos a la historia visual oficial escrita por extranjeros. Su práctica artística se centra en objetos fotográficos, “formaciones o emergencias fotográficas” en sus palabras. El reverso de una fotografía puede ser tan importante como el anverso, así como los signos que el paso del tiempo va dejando en el soporte. Para Zaatari, coleccionar fotos es una forma de deshacer y reescribir no menos importante que el acto de captar imágenes!

Los jóvenes… ¿realmente un target imposible? El Museo Marítimo de Barcelona ha organizado unas jornadas centradas en los jóvenes, quizá el público más ausente de los museos. Es cierto que a menudo se les deja por imposible y son pocas las instituciones que se han atrevido a proponer una oferta estable pensada para este colectivo. L as jornadas se centraron por lo tanto en la gente joven: ¿qué entienden ellos por cultura? ¿cuáles son sus intereses? ¿cuáles son las barreras con las que se encuentran las instituciones culturales? ¿qué deberíamos tener en cuenta?… ¿debería programarse pensando en la gente joven? ¿con la gente joven? ¿o debe ser ella quien diseñe su oferta a los museos? Ha sido interesante analizar las propuestas de distintos museos como la National Portrait Gallery of London, el MACBA, el Artium de Vitoria, el Museo de Arte de Cerdañola o el Museo de las Aguas. En este sentido, la National Portrait of London cuenta con un programa de talleres por y para jóvenes de entre 14 y 21 años durante las vacaciones escolares y los fines de semana. Estos talleres incluyen dibujo, pintura, escultura, fotografía, moda, cine, danza, teatro y poesía. Entrevistas con artistas profesionales y otros jóvenes interesados en el retratismo. Una manera interesante, interactiva y práctica de llevar uno de los museos más interesantes de Londres al alcance de los jóvenes.

La obra de Miralda Maidenusa, Santa Comida, es una obra multidisciplinaria entre el happening y la instalación participativa, y con ella Miralda ha hecho de la comida su eje creativo. La comida, una actividad universal y a la vez particular de los distintos grupos humanos, sirve a Miralda para realizar una crítica política y una desconstrucción etnológica de prejuicios y esquemas en un mundo global.

A partir de una iconografía de estética kitsch y barroca en piezas de grandes dimensiones, Miralda apuesta con esta obra por un lenguaje vital que celebra los sentidos, los colores, la fiesta, el juego, la imaginación y la vida.

Consiste en siete altares dedicados a las divinidades Orisha más destacadas. A medida que el espectador se desplaza cada altar muestra una imagen de la divinidad yoruba y sus equivalentes en el culto cristiano.

La exposición sirvió también de escenario para que la comunidad yoruba de Barcelona rindiera tributo a la deidad Orula mediante la música, el canto y el toque de tambores.

El 16 y 17 de enero Barcelona se ha convertido en la capital mundial del sector de las galerías de arte. El auditorio del Macba ha acogido la 5ª edición de Talking Galleries Barcelona Symposium, el primer y único congreso internacional del galerismo del mundo.

Tras la brillante y provocadora conferencia inaugural de Thaddaeus Ropac, que afirmó que las galerías deberían dedicar el 75% de su negocio a sus propios espacios en vez de a las ferias, más de una treintena de profesionales de todo el mundo han participado en las distintas mesas redondas en las que se ha abordado, con un formato ágil y fresco, el panorama cambiante de las ferias de arte, las cuestiones legales para las galerías europeas, los programas comisariados de las galerías, las virtudes y fortalezas de las galerías de tamaño medio, los nuevos modelos de colaboración entre las galerías y las casas de subastas o las estrategias de comunicación a través de las redes sociales.

Según Ropac, las ferias son lugares importantes en los que conectar con la comunidad artística y eran altamente efectivas pero que la galería necesitaba luchar para ser el centro de actividad artística. Sus comentarios acabaron con la expresión “Sorry, Victoria”, un refrán que se repitió a lo largo de la sesión del lunes y dirigido a Victoria Siddall, directora de las Frieze Fairs, que supo encajar y rebatir inteligentemente presentando también sus argumentos.

Los días 27 y 28 de octubre tuvo lugar en Barcelona el congreso Art and Specultive futures, cuyo objetivo fue explorar no uno sino múltiples sentidos, no una sino múltiples historias del arte, ignoradas u omitidas, que incluyen artistas, materiales, tecnologías o zonas geopolíticas excluidas de los relatos repetidos y comúnmente aceptados. Uno de los keynote speeches fue pronunciado por Ursula Bienmann, artista, escritora y videoensayista basada en Zurich, Suiza. Su práctica artística está fuertemente orientada a la investigación con trabajo de campo en ubicaciones remotas en las que investiga el cambio climático y las ecologías del petróleo, el hielo, los bosques y el agua, en proyectos como Egyptian Chemistry (2012), Deep Weather (2013) y Forest Law (2014) y más recientemente en Subatlantic (2015 and Biosemiotic Borneo (2016). A partir de extensos trabajos de investigación la artista desarrolla en sus videos las transformaciones territoriales y climáticas debidas a los procesos de extracción e ingeniería, destacando la importancia de las micro-dinámicas biológicas. Sus trabajos más recientes la han llevado a las Amazonas y la región Ártica. En su constante interacción con la ecología política del petróleo, el hielo y el agua la artista combina el paisaje cinemático con el estilo documentalista. En sus proyectos más recientes se plantea la interacción entre la estética, la ecología y la geopolítica.